Danza
Sharing Home es un espacio inestable. Donde las paredes se vuelven transparentes y los muros se negocian o se imponen. Un lugar a mitad de camino entre el mundo físico y el mundo de las ideas, donde ni todo es lo que parece ser, ni lo que es parece ser los que deberÍa. Entre un disparate racionado y un sin fin de razones disparatadas para desnudarse en verso y dejar salir a bailar a los locos.
Este divertido esperpento retrata una España de principios del siglo XX en la que Valle critica los prejuicios morales de la pérdida del honor por "los cuernos"; por eso pretende, y logra con suma ironía, burlarse de sus personajes y de sus comportamientos de folletín sainetero, en una parodia satírica, que provoca risas crueles y desatadas sobre la tradición machista de los españoles.
La historia narra como el teniente Astete -don Friolera-, recibe un anónimo avisándole de que su mujer le engaña. Vuelto loco por los celos que siente de su frívola mujer, doña Loreta, tentada por un chulapo de medias tintas y vecino, el barbero Pachequín, e instigado por un malintencionado vecindario, trama tomar venganza. La hija de ambos, Manolita, entra en escena justo cuando el supuesto "cornudo" va a matar a los inocentes amantes, amansando las iras de su padre. Sin embargo la presión de sus colegas militares le ofusca en lo más hondo de su orgullo, y recurriendo a un ancestral código del honor, y pistola en mano, se conmina a cometer el crimen, al grito de "¡En el cuerpo de carabineros no hay cabrones!"
Macbeth se erige por méritos propios como una de las grandes tragedias de Shakespeare. Cuenta con todos los elementos para configurar una apasionante historia: ambición desmedida por el poder, guerras, hechizos, fantasmas, engaños, traiciones y mucha violencia. Nos muestra cómo la perspectiva de llegar a lo más alto, espoleado por los deseos de su mujer, convierte a un hombre aparentemente noble en un tirano sanguinario, y cómo esa maldad acaba conduciendo a la paranoia, la locura e inexorablemente a la perdición.
108 min
Zazpi dantza antzezlan / Siete piezas de danza
MADERA - Denis Santacana
20 min
B L O C K - Amaia Elizaran
15 min
SHŌJO - Mey-Ling Bisogno
15 min
THE PLACE - Alessio Natale
9 min
EL OTRO - Clémence Juglet
10 min
THE MORE YOU DANCE THE MORE YOU GET - Evie Demetriou
Inglés/Castellano
20 min
AN ENCOUNTER - Jordi L. Vidal
20 min
Un grupo de amigas de la infancia acude a una casa rural para celebrar la despedida de soltera de una de ellas. Pero los años no pasan en balde y aunque sientan un vínculo muy fuerte entre ellas, nada es lo que era; o sí…
Lo que a priori iba a ser un fin de
semana a lo loco, enloquecerá un poco más si cabe; trapos sucios, cosas que
nunca se dijeron, confesiones, alcohol, droga y un enjambre. Se dice que en el reino animal las abejas son los seres que mejor se comunican. Y al parecer se comunican bailando…
Erritu supone el encuentro entre Kukai Dantza y el prestigioso coreógrafo Sharon Fridman. Se trata de un viaje vital que atraviesa mediante ritos de paso individuales y colectivos los distintos estados de la vida en relación con la naturaleza y con la comunidad. Estados que van desde el nacimiento al caos, pasando por el desierto de la soledad, hasta llegar al encuentro, el amor y, finalmente, la muerte.
En Erritu se funden dos modos de entender la danza. En la diferencia entre los dos lenguajes está la riqueza y el atractivo.
El alumbramiento de lo umbrío. La oscuridad de lo sagrado.
LUZ se basa en la contraposición de dos mundos antagónicos, el mundo de la luz y el mundo de la oscuridad. En la pieza se trata lo sagrado, la pureza, lo delicado, lo sutil, lo frágil... y, por otro lado, lo bruto, lo salvaje, lo bestia... y todo ello, en cada uno de los mundos creados.
Una visión desde el otro lado del espejo… El público, cual inocente Alicia, atravesará el cristal adentrándose en lo más profundo del Espejo Negro: un mundo oscuro donde reina la luz, donde residen criaturas elegantes, irreverentes, tiernas, perversas, solitarias, provocadoras, almas llenas de humor corrosivo y burlón.
Un andrógino y extravagante personaje salido de las tinieblas, ayudado por tres marionetistas, nos sumergirá en un mundo paralelo donde cualquier fantasía o disparate puede hacerse realidad.
Bending the Walls es una exploración sobre el mundo de las restricciones y limitaciones en nuestra búsqueda de la felicidad, la libertad y la comprensión: los límites físicos y psicológicos dentro de nosotros mismos y el mundo que nos rodea.
En Beyond se plantea la experiencia de una búsqueda incierta y continua, impulsora del trayecto vital a través de paisajes emocionales de la memoria. Una situación distópica, disonante que convierte el recorrido en un escenario de incertidumbre, que nos obliga constantemente a crear o reflexionar sobre nuestro propio itinerario vital, sobre el paisaje que de una manera consciente o fortuita vamos construyendo.
En medio del camino
En medio del camino había una piedra
había una piedra en medio del camino
había una piedra
en medio del camino había una piedra
Nunca me olvidaré de ese acontecimiento
en la vida de mis retinas tan cansadas
nunca me olvidaré que en medio del camino
había una piedra
había una piedra en medio del camino
en medio del camino había una piedra
(Un poema de Carlos Drummond de Andrade)
Piedra se propone para tres intérpretes, como un camino para explorar la resistencia, la conquista y el fracaso. La dureza del cuerpo y el instante de fractura que sorprende como algo inesperado.
¿Dónde está la madre? ¿Dónde la esposa? Pablo afronta con torpeza el abandono de su mujer. Tita, la hija, volverá a la casa familiar donde los recuerdos se convierten en pistas. La búsqueda de alguien comienza con el ejercicio de entender quién era realmente ese alguien. Y en el camino, padre e hija no sólo reinterpretarán imágenes del pasado para encontrar respuestas, sino que descubrirán un nuevo modo de relacionarse como adultos.
Dublín, 1904. Como todos los años, un grupo de amigos se reúne la noche de Reyes para cenar. Fuera nieva. Dentro, se respira hogar, gusto por la música y buen humor. Gabriel, sobrino de las anfitrionas, es el invitado ‘ejemplar’, un hombre de orden, padre de familia y felizmente casado con Gretta. Todo es perfecto, aunque decadente, con el trasfondo de una Irlanda todavía bajo el dominio del Imperio Británico, pero ya sacudida por nuevas influencias e ideologías. Cuando la fiesta llega a su fin, suena una sencilla canción y, con sorpresa, Gabriel ve a su mujer conmoverse y abandonarse a un llanto sin consuelo.
¿Qué secretos puede llegar a guardar una mujer como ella en su corazón? Como dijo John Huston: “Dublineses te muestra ciertos hechos de la vida –amor, matrimonio, pasión, muerte- y te obliga a enfrentarte a ellos. Muy pocos relatos tienen este misterioso poder”.
Continuamente cambiamos el paso…. Para alcanzar el ritmo que nos impone la vida, para llegar a una meta propuesta, para esperar al amigo querido que quedó rezagado, para correr detrás de aquél al que dimos todo, para detenernos y entender.
El coro de Montescos o Capuletos, eternamente enfrentados, son los que impiden este amor. Este coro es la conciencia, la ley. Frente a ésto, Romeo y Julieta son la personalidad individual, la transgresión.
El espectáculo es corporal, físico y gestual. Un clásico contado en lenguaje de circo. Un paseo de la comedia al drama, un viaje de la juventud a la madurez.
El rey Lear se basa en un cuento popular que aparece incorporado a la historia antigua de Inglaterra desde el siglo XII. Cuentan las crónicas que el viejo Lear quiso conocer el grado de afecto de sus tres hijas para designar sucesora a quien más le quisiera. Dos se deshicieron en halagos y la menor le contestó que le quería como padre y nada más. Le pareció poco al rey, que la castigó. El tiempo y las peripecias vendrían a demostrar más tarde que era la única digna del trono que, por fin, tras una guerra con las hermanas, consiguió. Shakespeare amplía y transforma la trama, infundiéndole una visión personal. Paralelamente a la propia historia de Lear plasma la de Gloucester y sus hijos. El resultado supone una experiencia extrema de dolor, locura y destrucción expresada crudamente y sin reservas.
Infantil
Basado en el clásico “Pinocho” de Carlo Collodi es una función teatral para toda la familia en clave de comedia, de musical y de danza. Geppetto es un viejo carpintero que vive en la soledad de su taller. Un día le llega un mágico trozo de madera con el que creará un títere al que llamará Pinocho. Pero éste no será un títere cualquiera ya que habla y camina por sí solo. Geppetto adoptará a Pinocho como hijo. Pero el niño de madera no será en absoluto un chico obediente y formal. Tras vivir innumerables desventuras Pinocho conocerá el lado oscuro de la mentira y llegará a ser consciente de lo peligroso que puede resultar fiarse de la primera persona que se cruza en su camino. Por fin, tras mostrar su gran corazón, Pinocho logrará convertirse en un niño de verdad
Objetos, palabras, lengua de signos, un DJ particular,... y las ventajas de tener desventajas. Un espectáculo sobre las otras capacidades, sobre las cosas que no se dicen... que terminan saliendo a la superficie.
Accesible para todos los públicos, incluidas las personas sordas signantes, a partir de los 6 años.
Música
Vendrán acompañados de las bandas Aquelarre y Thornbridge.
Se cumplen 20 años de una carrera repleta de enormes éxitos de la canción popular y, para festejar este aniversario, Ismael Serrano ha puesto en pie un proyecto muy especial con el que recalará en el Teatro Victoria Eugenia.
Lo hará él sólo a la guitarra, en formato acústico. Una cita en la que el público disfrutará de los éxitos de siempre, pero también de temas inéditos y de versiones de canciones de otros grandes autores que han influido en su carrera. Todo ello, con una puesta en escena en la que la magia, el cine, el teatro y el espectáculo multidisciplinar convergen.
Después de siete años Lisabö vuelve con nuevo disco, Eta edertasunaren lorratzetan biluztu ginen. Ha sido un disco concebido poco a poco entre las paredes del local, de un modo íntimo y silencioso. Las marchas de Ivan Zabalegi y Joseba Ponce les ha obligado a reorganizar el grupo. Aida Torres se ha ocupado nuevamente de grabar una de las baterías; como en discos anteriores Maite Arroitajauregi se ha ocupado de los cellos y han contado con las colaboraciones de Santi Noain y Okene Abrego. Cuando recibieron los textos definitivos de Martxel Mariskal, las canciones adquirieron el sentido y la dirección adecuada.
CRISIX
Posiblemente la mejor banda thrash del estado. La banda barcelonesa ya rozó el sold out en su anterior visita a Donostia hace 2 años. Con un directo arrollador están conquistando escenarios por todos los continentes. Ésta será una de sus pocas actuaciones en la península en 2019.
EVIL IMPULSE
Brutal thrash groove metal con la colaboración de Jed Simon (Strapping Young Lad). Han tocado en grandes festivales como el portugués Montecore Metal Fest, Resurrection Fest, Leyendas del Rock, Live for Madness Metal Fest, Winds of Metal Fest, Zombie Jaialdia y varios más. Han tocado con bandas como Gojira, Brujería, Iron Maiden, Vita Imana, Destruction y muchas más.
VITA IMANA
Un grupo de amigas de la infancia acude a una casa rural para celebrar la despedida de soltera de una de ellas. Pero los años no pasan en balde y aunque sientan un vínculo muy fuerte entre ellas, nada es lo que era; o sí…
Lo que a priori iba a ser un fin de
semana a lo loco, enloquecerá un poco más si cabe; trapos sucios, cosas que
nunca se dijeron, confesiones, alcohol, droga y un enjambre. Se dice que en el reino animal las abejas son los seres que mejor se comunican. Y al parecer se comunican bailando…
El sábado 16 de marzo llega la primera píldora de este programa socio cultural a modo de festival. Como primera muestra y enfocado en el enriquecimiento de la presencia femenina dentro de la música urbana, URBAN FEMME presenta un line up donde todas sus exponentes son mujeres relevantes en la escena nacional. Actuarán: Anier, La Basu, La Furia y Audry Funk.
Jenny Scheinman (violín), Myra Melford, (piano), Kirk Knuffke (corneta), Ben Goldberg (clarinete), Todd Sickafoose (bajo), Allison Miller (batería).
Seleccionada por la revista Downbeat entre las veinte mejores baterías de jazz, Allison Miller compagina su amor por la composición, la batería y la comunidad bajo el paraguas de su banda, Boom Tic Boom. Este sexteto puntero, que toca jazz de cámara cinemático es al mismo tiempo osado y accesible, guasón y duro, virtuoso pero nunca prepotente, y siempre con mucho groove.
Desde sus inicios en la década de 1960 como cantante e ingeniero de Studio One de Coxsone Dodd en Kingston a la producción de los clásicos seminales Herbsman y Soul Revolution de los Wailers, el estilo innovador de Perry lo ha convertido en uno de los tesoros más preciados del reggae. Lee “the Upsetter” Perry ha trabajado con casi todos, desde los Heptones a los Skatalites o los Clash. Ciertamente, una de sus contribuciones más notables fue la unión de Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer con los Barnet Brothers (Carley y “Familyman”, quienes habían sido el corazón del grupo de Perry, los Upsetters), que dio lugar a la formación de Bob Marley and the Wailers. De cualquier manera, su estilo único de dubbing resulta contagioso. A menudo, las palabras se descomponen hasta sus elementos más puros: el sonido y el sentimiento. El modo revolucionario en que Perry hace uso de los efectos de sonido, el echo reverb y el rewind agrega una nueva dimensión a la tradición popular del reggae, y ha influido en innumerables artistas de todo signo. Lee Perry ha estado recientemente de gira por Europa, cautivando con sus innumerables virtudes tanto a antiguos como a nuevos fans.
Los grandes ZENOBIA vuelven a Donostia tiempo después para encabezar una noche inolvidable donde habrá sorpresas y nos deleitarán con todos sus clásicos.
ANKHARA
la banda de heavy metal estatal volverá a actuar en Donostialdea después de llevar más de una década sin hacerlo en un concierto que promete ser apoteósico.
MAD MAX
la mítica banda a alemana girará en ÚNICO CON CONCIERTO EN EL NORTE durante su gira 35 aniversario
TAKEN
los pamploneses vuelven a actuar en Donostia y lo hacen presentándonos el que será su segundo disco en una noche que promete y mucho
WILD FREEDOM
una de las revelaciones nacionales de hard rock con toques metal. han girado ya por el este de europa y actuado con bandas como RIOT ó HARDLINE
Este es su año porque después de recorrerse medio mundo en giras por Mexico, USA, Japón, Francia, Italia, Chile, Rusia... llega el momento de desatar la tormenta en casa. Este es su año porque tras arrasarn en los últimos tiempos en Festivales como Mad Cool, Resurrection Fest, BBK Live, Tsunami Xixon... su esperado tercer disco va a ser la excusa perfecta para recorrerse otra vez los principales escenarios de este país. Este es su año porque han decidido arriesgar.
Producido por el omnipresente Ricky Falkner en los Estudios Casamurada, con Jordi Mora a los mandos, su cuarto disco abre nuevos territorios y caminos para su rock desértico y árido que juega por paisajes stoner e intensidades setenteras, junto a ritmos contagiosamente pesados y alaridos necesarios en la sociedad del siglo XXI. Una intensidad en escena de la que pocos grupos pueden presumir. Eliminados corsés, no dudan en acercarse a terrenos fronterizos o psicodélicos. El que no se sumerja en este disco, será probablemente porque se quedó sordo en uno de sus anteriores conciertos.
Más conocido por ser el líder, compositor, guitarrista y teclista del grupo de jazz acústico Oregon, Towner cuenta también con una rica y variada carrera como solista, en la que ha tenido fructíferas y memorables colaboraciones con grandes músicos modernos tales como Gary Burton, John Abercrombie, Egberto Gismonti, Larry Coryell, Keith Jarrett, Jan Garbarek, y Gary Peacock.
Ralph
Towner es un innovador dentro del panorama musical moderno, con ideas
siempre frescas, a pesar de que su carrera se extiende a lo largo de
treinta años.
El teatro Victoria Eugenia de Donostia será la primera parada de Denontzat, un espectáculo enmarcado en el Tour 2019 y que supone la consolidación del proyecto Sonakay Denontzat, el primer album del grupo vasco de flamenco. Sonakay ha creado un espectáculo totalmente novedoso que incluye tanto baile flamenco como vasco y que reunirá a 20 personas en escena.
Ander Mujika (gitarra elektrikoak), Jabier Muguruza (ahotsa eta sanplerra).
Jabier Muguruzaren azken diskoak, hamabosgarrena kantautore moduan, aldaketa nabarmena dakar instrumentazio aldetik: urte luzeetan lagundu dion oinarri akustikoa alde batera utzi, eta gitarra elektrikoak (Ander Mujika) eta elementu elektronikoak (Carasueño) ditu ardatz oraingo honetan; modu horretara, soinu-paisaia berri batera eramaten du obra.
Eri Yamamoto es una pianista japonesa que lleva más de una década radicada en Estados Unidos. Allí ha desarrollado su carrera, pero eso no le ha impedido tener muy presentes sus orígenes. Prueba de ello es la creación de la pieza Goshu Ondo, que presentará en nuestra ciudad, junto con el Coro Easo, por primera vez en Europa. Se trata de una composición para trío de jazz y coro que está basada en las armonías niponas y que las fusiona con el jazz.
Moppa Elliott (baxua), Jon Irabagon (saxoa), Nick Millevoi (gitarra), Ron Stabinsky (pianoa), Dan Monaghan (bateria)
Moppa Elliott es el bajista que ha liderado Mostly Other People Do the Killing desde su creación. MOPDtK, por abreviar, es uno de los grupos más indefinibles, frescos y renovadores del jazz del siglo XXI. Ahora, Moppa nos trae su nuevo grupo Unspeakable Garbage, con toda la energía de una banda de rock y la calidad que garantizan sus integrantes, entre los que se cuentan el saxofonista Jon Irabagon y el pianista Ron Stabinsky (ambos miembros de MOPDtK).
El británico Joe Jackson es uno de los tres grandes exquisitos de la new wave, junto a Elvis Costello y David Byrne, los tres tan relevantes ayer como hoy. Ecléctico y camaleónico, siempre ha destacado por su imaginación musical, que le ha hecho saltar de géneros desde su aparición en escena, allá por 1979: reggae, jump-blues, salsa, rhythm'n'blues, contemporánea... Desde entonces, ha sido nominado a los Grammy en cinco ocasiones y ha publicado veintiún discos -el último de ellos, Fool, en enero de este año-. Este álbum y su single promocional, Fabulously Absolute, demuestran que estamos hablando de un clásico en plenísima forma. Su actuación en San Sebastián forma parte de la gira "Four Decade Tour", con la que celebra sus cuarenta años en la música.
Maria Schneider se va a estrenar en el Heineken Jazzaldia mostrando su sugerente proyecto con Ensemble Denada. Schneider es una laureada directora de orquesta y compositora, ganadora de cinco Grammys, jaleada por la crítica y el público como una de las figuras más decisivas del jazz de ahora mismo. Solo alguien con su talento puede ponerse al frente de una banda como la noruega Ensemble Denada,considerada una de las más innovadoras de Europa. El repertorio de esta agrupación es de lo más variado, tanto rítmica como melódicamente, y sus componentes han sido cuidadosamente seleccionados entre los mejores instrumentistas de Noruega.
Donny McCaslin (saxo tenor), Jeff Taylor (voz), Jason Lindner (piano), Jonathan Maron (bajo), Zach Danziger (batería).
Donny McCaslin sorprendió a una buena parte del público con su fabulosa actuación en el Heineken Jazzaldia de 2017. McCaslin acumula una importante experiencia en el mundo del jazz, mediante sus colaboraciones con Steps Ahead, Gil Evans, Danilo Pérez y Dave Douglas, y consiguió una nominación al mejor solo instrumental de jazz en los Grammy de 2004.
Donny McCaslin y Maria Schneider ya han trabajado juntos anteriormente y coincidirán en la misma sesión del Festival.
Martirio (voz), Chano Domínguez (piano)
Hace ya veinte años que Martirio deslumbró al mundo junto al gran pianista gaditano Chano Domínguez con su reinterpretación de las coplas clásicas con arreglos de jazz, colaboración que quedó plasmada en el imprescindible Coplas de madrugá (1996). Abrieron así un camino de fusión que luego siguieron muchos otros artistas y que alumbró un renacer de la copla. Unos años más tarde, dieron otra vuelta de tuerca en Acoplados (2005), con arreglos para orquesta sinfónica y big band. Martirio y Chano vuelven a juntarse para recordar al gran pianista y cantante cubano Ignacio Villa, más conocido como Bola de Nieve. Icono en los países de habla hispana, Bola era un talentoso pianista y extraordinario intérprete que cantaba a los asuntos del amor y del humor. Ternura, pasión y desencantos amorosos, pero también mucho humor, es lo que encontraremos en este nuevo espectáculo que supone el regreso de Martirio y Chano al Heineken Jazzaldia, donde actuaron en 1996.
Joshua Redman es uno de los saxofonistas más carismáticos surgidos en los años 90. Viene a presentar Still Dreaming, del que se puede decir con justicia que fue uno de los discos de jazz más redondos entre los publicados en 2018. La inspiración de Still Dreaming le viene a Joshua Redman de la banda Old and New Dreams, que lideró su padre, Dewey Redman, entre 1976 y 1987. Una banda legendaria de discípulos de Ornette Coleman, en la que también estaban Don Cherry, Charlie Haden y Ed Blackwell. Se trata de un proyecto muy diferente del de la anterior visita de Joshua Redman al Heineken Jazzaldia en 2015, cuando vino con The Bad Plus y juntos dejaron un buen sabor de boca. A Joshua Redman le acompaña en el empeño una formación excepcional: Ron Miles a la trompeta, Scott Colley al contrabajo y Dave King a la batería.
Moppa Elliott (baxua), Jon Irabagon (saxoa), Nick Millevoi (gitarra), Ron Stabinsky (pianoa), Dan Monaghan (bateria)
Moppa Elliott es el bajista que ha liderado Mostly Other People Do the Killing desde su creación. MOPDtK, por abreviar, es uno de los grupos más indefinibles, frescos y renovadores del jazz del siglo XXI. Ahora, Moppa nos trae su nuevo grupo Unspeakable Garbage, con toda la energía de una banda de rock y la calidad que garantizan sus integrantes, entre los que se cuentan el saxofonista Jon Irabagon y el pianista Ron Stabinsky (ambos miembros de MOPDtK).
Charles McPherson inició su biografía musical de la mejor manera posible: trabajando con el gran contrabajista Charles Mingus desde 1960 a 1972. Posteriormente, ha realizado giras por todos los continentes, actuando como líder o colaborando con artistas de la talla de Lionel Hampton, Wynton Marsalis, Dizzy Gillespie, Randy Brecker y muchos otros. McPherson fue el asesor sobre jazz de Clint Eastwood cuando éste dirigió la película Bird, una magnífica biografía del genio del jazz Charlie Parker. Fue también el responsable de tocar todas los partes de Parker en la película. En la actualidad, Charles McPherson sigue siendo uno de los nombres importantes de la escena del jazz internacional. Y viene acompañado por Bruce Barth, un extraordinario pianista que ya ha estado antes en el Heineken Jazzaldia como líder de sus propios grupos.
(Duración de cada grupo: 20-25 minutu)
Masada: John Zorn (saxoa), Dave Douglas (tronpeta), Greg Cohen (baxua), Joey Baron (bateria)
Sylvie Courvoisier and Mark Feldman: Mark Feldman (biolina), Sylvie Courvoisier (pianoa)
Mary Halvorson Quartet: Mary Halvorson (gitarra), Miles Okazaki (gitarra), Drew Gress (baxua), Tomas Fujiwara (bateria)
Craig Taborn Solo: Craig Taborn (pianoa)
Trigger: Will Greene (gitarra), Simon Hanes (baxua), Aaron Edgcomb (bateria)
Erik Friedlander-Mike Nicolas Duo: Erik Friedlander (txelo), Michael Nicolas (txelo)
John Medeski Trio: John Medeski (organoa), Dave Fiuczynski (gitarra), Calvin Weston (bateria)
Diana Krall (piano, voz), Robert Hurst (contrabajo), Karriem Riggins (batería). Artista invitado especial: Joe Lovano (saxo)
Diana Krall es excelsa tanto en su faceta de pianista como en la de cantante. Su elegancia en escena, su repertorio escogido siempre con buen gusto y su innegable calidad la han convertido en el nombre imprescindible del jazz de las dos últimas décadas. También tiene muy buena vista al elegir a sus colaboradores. En esta ocasión, viene con Joe Lovano como artista invitado, es decir, con uno de los saxofonistas más relevantes del panorama jazzístico mundial, brillante siempre cuando lidera sus propios grupos y acompañante de mucho lujo cuando se une a otras figuras, como en este caso. Con el refuerzo de Lovano, cabe esperar un extraordinario concierto de Diana Krall, secundada por sus habituales Robert Hurst (contrabajo) y Karriem Riggins (batería).
Houston Person (saxo tenor), Ben Paterson (órgano)
A sus 84 años, Houston Person es uno de los grandes veteranos del saxo tenor, un continuador de esa línea de saxofonistas de sonido rotundo e intenso que se remonta a Gene Ammons. Se desenvolvió bien en la época del swing y después en la del hard bop, para acabar convirtiéndose en uno de los mejores exponentes del soul jazz. Ha grabado 75 discos con su propio nombre, además de los realizados en colaboración con Don Ellis, Cedar Walton, Etta Jones, Lena Horne, Horace Silver y otros destacados intérpretes.
(Duración de cada grupo: 20-25 minutos)
Nova Quartet: John Medeski (pianoa), Kenny Wollesen (bibrafonoa), Trevor Dunn (baxua), Joey Baron (bateria)
Gyan Riley and Julian Lage: Gyan Riley (gitarra), Julian Lage (gitarra)
Brian Marsella Trio: Brian Marsella (pianoa), Trevor Dunn (baxua), Kenny Wollesen (bateria)
Ikue Mori: Ikue Mori (elektronika)
Kris Davis: Kris Davis (pianoa), Mary Halvorson (gitarra), Drew Gress (baxua), Kenny Wollesen (bateria)
Peter Evans Solo: Peter Evans (tronpeta)
Asmodeus: Marc Ribot (gitarra), Trevor Dunn (baxua), Kenny Grohowski (bateria)
Charles McPherson inició su biografía musical de la mejor manera posible: trabajando con el gran contrabajista Charles Mingus desde 1960 a 1972. Posteriormente, ha realizado giras por todos los continentes, actuando como líder o colaborando con artistas de la talla de Lionel Hampton, WyntonMarsalis, DizzyGillespie, Randy Brecker y muchos otros. McPherson fue el asesor sobre jazz de Clint Eastwood cuando éste dirigió la película Bird, una magnífica biografía del genio del jazz Charlie Parker. Fue también el responsable de tocar todas los partes de Parker en la película. En la actualidad, Charles McPherson sigue siendo uno de los nombres importantes de la escena del jazz internacional. Y viene acompañado por Bruce Barth, un extraordinario pianista que ya ha estado antes en el Heineken Jazzaldia como líder de sus propios grupos.
Sílvia Pérez Cruz (voz), Toquinho (guitarra, voz), Javier Colina (contrabajo)
Desde sus primeros pasos, la cantante catalana Sílvia Pérez Cruz avanza por caminos sin trillar. Si algo ha llamado poderosamente la atención es su asombrosa capacidad para abordar diferentes estilos, con inconfundible sello propio. Sobre una base folk se encuentra también jazz, tropicalismo, flamenco, fado, música clásica y la huella de las habaneras que la acunaron. Posee un registro vocal prodigioso y un innato carisma escénico. Con el acompañamiento del guitarrista y cantante Toquinho, figura señera de la música brasileña, y el contrabajista navarro Javier Colina, uno de los principales puntales del jazz español, está garantizado un concierto emocionante y de elevada exquisitez artística.
Otros
Retrópica (Premio Nacional de Danza 2015. Funarte, Brasil) es una performance de danza antropófaga. Devora samba, bossa nova, taconeo y rompe con el imaginario que defiende la cultura como algo hermético. Retrópica es mujer. Es hambre, es fuego, es el placer extremo en forma de miel pura que escurre aún por las venas del ecuador.
IDEIA, KOREOGRAFIA ETA PERFORMANCEA / CONCEPCIÓN, COREOGRAFÍA Y PERFORMANCE: Mari Paula KOREOGRAFIA ORIENTAZIOA / ORIENTACIÓN COREOGRÁFICA: Airton Rodrigues, Ángela Donat Mas DRAMATURGIA ORIENTAZIOA / ORIENTACIÓN DRAMATÚRGICA: Giorgia Conceição, Leonarda Glück, Ricardo Nolasco TESTUAK / TEXTOS: Leonarda Glück, Luis Pablo Beauregard ARGIZTAPEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Trio Desenho de Luz MUSIKA ZUZENDARITZA / DIRECCIÓN MUSICAL: Fernando De Castro ILUSTRAZIOA / ILUSTRACIÓN: Evandro Prado JANTZIAK / VESTUARIO: Mari Paula BIDEOAK / VÍDEOS: Livea Castro Calvo, Marcus Bonato EKOIZPENA ETA KOORDINAZIOA / PRODUCCIÓN Y COORDINACIÓN NACIONAL: Jorge Schneider, Simone Bönisch – Ababtg EKOIZPENA ETA NAZIOARTEKO KOMUNIKAZIOA / PRODUCCIÓN Y COMUNICACIÓN INTERNACIONAL: Adrián Torices, Marta Romero ERREALIZAZIOA / REALIZACIÓN: Funarte, Ministerio de Cultura de Brasil-Brasilgo Kultura Ministeritza.
Teatro
Obra original de Peripècia Teatro con fragmentos de textos de Fernando Pessoa, José Luis Peixoto y testimonios de la época. En 2017 se celebró el 100º aniversario de las apariciones de Fátima que ocurrieron entre 13 de mayo y 13 de octubre. Estas celebraciones coinciden con el 13er aniversario de Peripècia Teatro y la creación de ese año fue su 13ra producción. Los tres pastorcitos son, además de videntes de Fátima, personajes que forman parte de la primera creación de esta compañía. Teniendo en cuenta estas señales, el espectáculo se bautizó con el título “13” y se estrenó en mayo de 2017 a 40 km de Cova de Iria. El espectáculo “13” no sigue una línea narrativa próxima al thriller bíblico, ni una línea cómica sobre la fe paranormal.
Ariadna Gil y Abel Folk protagonizan esta adaptación de Anna Maria Ricart, bajo la dirección de Carme Portaceli.
Este divertido esperpento retrata una España de principios del siglo XX en la que Valle critica los prejuicios morales de la pérdida del honor por "los cuernos"; por eso pretende, y logra con suma ironía, burlarse de sus personajes y de sus comportamientos de folletín sainetero, en una parodia satírica, que provoca risas crueles y desatadas sobre la tradición machista de los españoles.
La historia narra como el teniente Astete -don Friolera-, recibe un anónimo avisándole de que su mujer le engaña. Vuelto loco por los celos que siente de su frívola mujer, doña Loreta, tentada por un chulapo de medias tintas y vecino, el barbero Pachequín, e instigado por un malintencionado vecindario, trama tomar venganza. La hija de ambos, Manolita, entra en escena justo cuando el supuesto "cornudo" va a matar a los inocentes amantes, amansando las iras de su padre. Sin embargo la presión de sus colegas militares le ofusca en lo más hondo de su orgullo, y recurriendo a un ancestral código del honor, y pistola en mano, se conmina a cometer el crimen, al grito de "¡En el cuerpo de carabineros no hay cabrones!"
Macbeth se erige por méritos propios como una de las grandes tragedias de Shakespeare. Cuenta con todos los elementos para configurar una apasionante historia: ambición desmedida por el poder, guerras, hechizos, fantasmas, engaños, traiciones y mucha violencia. Nos muestra cómo la perspectiva de llegar a lo más alto, espoleado por los deseos de su mujer, convierte a un hombre aparentemente noble en un tirano sanguinario, y cómo esa maldad acaba conduciendo a la paranoia, la locura e inexorablemente a la perdición.
De todo cuanto perdimos nos quedan al menos las lágrimas. La vida pasa volando en Los años rápidos y Secun de la Rosa, otra vez sencillo y cercano, lo cuenta de forma conmovedora. Apenas dos escenas separadas por treinta años y, una tercera extraordinaria, en la que ambas se solapan, le bastan para narrar todo un drama familiar. Una historia condensada en una única estancia: el salón de un hogar de barrio obrero, una butaca gastada, una mesilla, unas lámparas baratas, el coñac a mano y una cortina de fondo... el reconocible escenario doméstico, según se mire, del infierno cotidiano o de los paraísos perdidos de la infancia.
Roman es un hombre de casi 80 años que está profundamente deprimido por la muerte de su esposa. El anciano sufre dependencia física y sus tres hijos se turnan para acompañarlo las veinticuatro horas. Después de tres meses, los hijos están agotados y, mientras esperan plaza en una residencia, deciden emplear a Julieta, una inmigrante irregular, por consejo del párroco del barrio, a pesar de que Roman siempre se ha negado a que nadie que no sean sus hijos lo cuide.
Esta situación, cada vez más límite, irá enfrentando a los hijos con su pasado, con sus frustraciones y rencillas y, sobre todo, con el autoritarismo de un padre en plena decadencia. El amor surgirá como una estrella en la noche, pero la codicia, el orgullo, la intransigencia, los prejuicios y el miedo les impedirán seguirla. La ceguera será total y el destino se impondrá con la contundencia con la que solo lo hace en las tragedias.
Erritu supone el encuentro entre Kukai Dantza y el prestigioso coreógrafo Sharon Fridman. Se trata de un viaje vital que atraviesa mediante ritos de paso individuales y colectivos los distintos estados de la vida en relación con la naturaleza y con la comunidad. Estados que van desde el nacimiento al caos, pasando por el desierto de la soledad, hasta llegar al encuentro, el amor y, finalmente, la muerte.
En Erritu se funden dos modos de entender la danza. En la diferencia entre los dos lenguajes está la riqueza y el atractivo.
Roman es un hombre de casi 80 años que está profundamente deprimido por la muerte de su esposa. El anciano sufre dependencia física y sus tres hijos se turnan para acompañarlo las veinticuatro horas. Después de tres meses, los hijos están agotados y, mientras esperan plaza en una residencia, deciden emplear a Julieta, una inmigrante irregular, por consejo del párroco del barrio, a pesar de que Roman siempre se ha negado a que nadie que no sean sus hijos lo cuide.
Esta situación, cada vez más límite, irá enfrentando a los hijos con su pasado, con sus frustraciones y rencillas y, sobre todo, con el autoritarismo de un padre en plena decadencia. El amor surgirá como una estrella en la noche, pero la codicia, el orgullo, la intransigencia, los prejuicios y el miedo les impedirán seguirla. La ceguera será total y el destino se impondrá con la contundencia con la que solo lo hace en las tragedias.
Una mujer entra a su casa y encuentra a su esposo acostado con otra mujer. Los amantes se sorprenden, la esposa no dice nada, no monta un escándalo; al contrario, como traía el mercado para una cena, ¡sorpresa! los invita a comer: a su esposo y a la amante de él.
Lo primero que se dice al saber de la reacción de la esposa es: “Está loca”. Lo dirán los amigos, las amigas, los familiares, su propio esposo y la amante de su esposo.
Pero, no solo en esta situación le dirán que está loca, también, y varias veces al día, se lo manifestarán: por exigir sus derechos, por no ser dócil, por discutir, por decidir sobre sus gustos sexuales, por decir “no”, por alzar la voz, por decir la verdad y, obviamente, por pelear.
IDAZLEA, ZUZENDARIA / ESCRITA, DIRIGIDA: Fabio Rubiano ARTE ZUZENDARIA / DIRECCIÓN DE ARTE: Laura Villegas ARGIZTAPEN DISEINUA / DISEÑO DE ILUMINACIÓN: Adelio Leiva. Para ser dicha y hecha por Marce Valenciak esateko eta egiteko MUNTAKETA ETA ESZENOGRAFIA EKOIZPENA / MONTAJE Y PRODUCCIÓN DE ESCENOGRAFÍA: Laura Forero BEROKIA / ABRIGO: Carlos Kitten DISEINU LAGUNTZAILEA / ASISTENTE DE DISEÑO: Laura Cuervo DISEINU GRAFIKO LAGUNTZAILEA / ASISTENTE DE DISEÑO GRÁFICO: Diana Salgado ZUZENDARITZA ETA EKOIZPEN LAGUNTZAILEA / ASISTENTE DE DIRECCIÓN Y PRODUCCIÓN: Mauricio Santos EKOIZPEN EJEKUTIBOA / PRODUCCIÓN EJECUTIVA: Daniel A. Mikey (Vivemikey).
Una visión desde el otro lado del espejo… El público, cual inocente Alicia, atravesará el cristal adentrándose en lo más profundo del Espejo Negro: un mundo oscuro donde reina la luz, donde residen criaturas elegantes, irreverentes, tiernas, perversas, solitarias, provocadoras, almas llenas de humor corrosivo y burlón.
Un andrógino y extravagante personaje salido de las tinieblas, ayudado por tres marionetistas, nos sumergirá en un mundo paralelo donde cualquier fantasía o disparate puede hacerse realidad.
Bending the Walls es una exploración sobre el mundo de las restricciones y limitaciones en nuestra búsqueda de la felicidad, la libertad y la comprensión: los límites físicos y psicológicos dentro de nosotros mismos y el mundo que nos rodea.
En Beyond se plantea la experiencia de una búsqueda incierta y continua, impulsora del trayecto vital a través de paisajes emocionales de la memoria. Una situación distópica, disonante que convierte el recorrido en un escenario de incertidumbre, que nos obliga constantemente a crear o reflexionar sobre nuestro propio itinerario vital, sobre el paisaje que de una manera consciente o fortuita vamos construyendo.
Muerte tiene dos sílabas. Miedo… Asco… Son las ocho de la tarde. Suena un disparo. Una chica sale corriendo de una farmacia. Coge la bicicleta y pedalea sin mirar atrás. La respiración de mi padre… Cinco pasos hasta mi cama… El olor a tabaco. Una mujer coloca una manguera de goma en el tubo de escape de su coche y cierra la puerta. Alguien te avisa de que estás en peligro. Las sirenas de la policía se escuchan a lo lejos. ¿Jugamos a ver quién aguanta más el dolor como hacíamos en el colegio?
¿Dónde está la madre? ¿Dónde la esposa? Pablo afronta con torpeza el abandono de su mujer. Tita, la hija, volverá a la casa familiar donde los recuerdos se convierten en pistas. La búsqueda de alguien comienza con el ejercicio de entender quién era realmente ese alguien. Y en el camino, padre e hija no sólo reinterpretarán imágenes del pasado para encontrar respuestas, sino que descubrirán un nuevo modo de relacionarse como adultos.
Dublín, 1904. Como todos los años, un grupo de amigos se reúne la noche de Reyes para cenar. Fuera nieva. Dentro, se respira hogar, gusto por la música y buen humor. Gabriel, sobrino de las anfitrionas, es el invitado ‘ejemplar’, un hombre de orden, padre de familia y felizmente casado con Gretta. Todo es perfecto, aunque decadente, con el trasfondo de una Irlanda todavía bajo el dominio del Imperio Británico, pero ya sacudida por nuevas influencias e ideologías. Cuando la fiesta llega a su fin, suena una sencilla canción y, con sorpresa, Gabriel ve a su mujer conmoverse y abandonarse a un llanto sin consuelo.
¿Qué secretos puede llegar a guardar una mujer como ella en su corazón? Como dijo John Huston: “Dublineses te muestra ciertos hechos de la vida –amor, matrimonio, pasión, muerte- y te obliga a enfrentarte a ellos. Muy pocos relatos tienen este misterioso poder”.
Esta pieza es apoyada en coproducción con el Teatro Mayor de la Biblioteca Julio Mario Santo Domingo de Bogotá, dentro de su programación 2019, haciendo parte de la celebración 10 años de La Maldita Vanidad Teatro.
Un ser marginal, habitante de una zona deprimida de la ciudad de Bogotá, apareció en 2014 en un hospital llamando la atención porque solicitaba un cambio de sexo, quería volver a tener pene después de 65 años de haber sido obligado a prostituirse como mujer. Con este historial clínico como punto de partida, La Maldita Vanidad construye la historia de Silvana, un hombre-mujer atrapado en su trágico cuerpo abusado, comercializado y obligado a cambiar de sexo cuando él tenía apenas 10 años de edad.
Las funciones de Promesa de fin de año se prolongarán hasta el 17 de marzo.
Esta pieza es apoyada en coproducción con el Teatro Mayor de la Biblioteca Julio Mario Santo Domingo de Bogotá, dentro de su programación 2019, haciendo parte de la celebración 10 años de La Maldita Vanidad Teatro.
El coro de Montescos o Capuletos, eternamente enfrentados, son los que impiden este amor. Este coro es la conciencia, la ley. Frente a ésto, Romeo y Julieta son la personalidad individual, la transgresión.
El espectáculo es corporal, físico y gestual. Un clásico contado en lenguaje de circo. Un paseo de la comedia al drama, un viaje de la juventud a la madurez.
El rey Lear se basa en un cuento popular que aparece incorporado a la historia antigua de Inglaterra desde el siglo XII. Cuentan las crónicas que el viejo Lear quiso conocer el grado de afecto de sus tres hijas para designar sucesora a quien más le quisiera. Dos se deshicieron en halagos y la menor le contestó que le quería como padre y nada más. Le pareció poco al rey, que la castigó. El tiempo y las peripecias vendrían a demostrar más tarde que era la única digna del trono que, por fin, tras una guerra con las hermanas, consiguió. Shakespeare amplía y transforma la trama, infundiéndole una visión personal. Paralelamente a la propia historia de Lear plasma la de Gloucester y sus hijos. El resultado supone una experiencia extrema de dolor, locura y destrucción expresada crudamente y sin reservas.
Esta pieza es apoyada en coproducción con el Teatro Mayor de la Biblioteca Julio Mario Santo Domingo de Bogotá, dentro de su programación 2019, haciendo parte de la celebración 10 años de La Maldita Vanidad Teatro.
Un ser marginal, habitante de una zona deprimida de la ciudad de Bogotá, apareció en 2014 en un hospital llamando la atención porque solicitaba un cambio de sexo, quería volver a tener pene después de 65 años de haber sido obligado a prostituirse como mujer. Con este historial clínico como punto de partida, La Maldita Vanidad construye la historia de Silvana, un hombre-mujer atrapado en su trágico cuerpo abusado, comercializado y obligado a cambiar de sexo cuando él tenía apenas 10 años de edad.
Las funciones de Promesa de fin de año se prolongarán hasta el 17 de marzo.
Esta pieza es apoyada en coproducción con el Teatro Mayor de la Biblioteca Julio Mario Santo Domingo de Bogotá, dentro de su programación 2019, haciendo parte de la celebración 10 años de La Maldita Vanidad Teatro.
Año 1901. Dos mujeres se casan en la iglesia de San Xurxo, una de ellas vestida de hombre. Una historia de persecuciones policiales, huidas en diligencia, cambios de identidad e informaciones manipuladas. Las cómicas de A Panadaría presentan una reconstrucción irreverente de un suceso real. Una comedia musical donde lo verídico parece un invento. Elisa y Marcela es una historia de amor a contratiempo pero es también una celebración de las diferencias y de los amores en igualdad y una defensa de la libertad y de la diversidad sexual.
Bajo esta premisa Ramón Barea dirige Galerna, un proyecto enmarcado en el programa Nuevas Dramaturgias y producido por el Teatro Victoria Eugenia, el Teatro Arriaga y el Teatro Principal de Vitoria-Gasteiz.
Café La Tranquilidad, Avenida del Paralelo, Barcelona, años 20 del siglo pasado. Un mendigo se acerca a una mesa y pide una moneda a un hombre. Éste saca una pistola de su chaqueta, se la pone en la mano al mendigo y le dice: “Ve a un banco y coge lo que necesites. Es tuyo”. Comienza la música. Así arranca este relato sobre la clase trabajadora en España.
La primera adaptación escénica de Tiempo de silencio, uno de los hitos de nuestra literatura del siglo XX, es un grotesco retrato del Madrid de la posguerra donde su protagonista, un joven científico, descubre la marginación, la disfunción de los lazos familiares, la soledad, la impotencia, el odio y el obligado silencio que se esconde detrás de la vida urbana y del momento histórico reflejado.
La
obra dirigida por Rafael Sánchez nos desvela a la par la vigencia de
aspectos referidos al rol de la mujer, la violencia de género, la
precariedad de la ciencia o la paulatina desilusión de una
generación sin esperanza.
