Schedule of events - Donostia Kultura

Danse Macabre is the new creation of the choreographer and performer Martin Zimmermann. It is a continuation of his multi-layered oeuvre of the past twenty years. In Danse Macabre Zimmermann presents three tragicomical, fragile characters who have dropped out of the social norm and, find themselves in the same place at the same time in their distress. The stage set is reminiscent of an abandoned garbage dump where everything that is not reusable or degradable is discarded. In this godforsaken place the unlikely trio settles in to build a life. 

Defying severe setbacks and difficulties between them, the three characters played by Zimmermann’s favourite performers keep getting back up, pulling themselves together and coming up with unusual solutions. Another strange figure hovers over this fragile community of fate: death. Played by Martin Zimmermann, it interferes in the stage action as a mischievous puppet master, but remains invisible to the characters. The latter can therefore never be certain whether the disruptions and challenges they are constantly confronted with come from outside or whether they are part of their own history and inner world. In Danse Macabre the characters struggle for their survival and the only thing that can save them is their humour.

“My humour is the laughable form of sadness. It is exaggerated into the comical and thus overcome. The tragicomical, to me, has the force of a possessed power: it is radical, incisively sharp, committed to wickedness, but also mischievous, precise and enigmatic. This multilayeredness provides inspiration and a point of departure for my work.” Martin Zimmermann

Previously unperformed collaboration between the sisters Clara and Ariadna Peya (Les Impuxibles) and Pablo Messiez: a creative show opening the door to a reflection on why we consume substances.

Caramel is a multidisciplinary show with seven performers on stage, and live music. Les Impuxibles continue the company's approach through a blend of performance idioms, working on this occasion in partnership with Pablo Messiez.

14.4 pretende explorar, desde un lenguaje descarnadamente realista y a la vez indisimuladamente lírico y poético, el viaje que separa dos mundos que viven a tan solo 14.4 kilómetros de distancia.

Cuenta la historia de Ahmed, un niño que escapa del maltrato familiar para habitar las calles de Tánger. Allí, en las calles de la ciudad portuaria, llegarán aventuras, sueños y desventuras y una obsesión que lo recorre todo… cruzar a España. Una España que es vista como el paraíso en la tierra, el final del camino, la Ítaca con la que sueña todo viajero.

Ahmed consigue cruzar con 9 años a la península escondido en los bajos de un camión. En la tierra prometida llegará otra odisea que se aleja de lo soñado pero que no está exenta de sentido del humor, aventuras, redes de solidaridad y finales inesperados. 

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Ángeles que arrastraron las alas por esquinas sombrías, por habitaciones por hora, consumiendo sus paraísos artificiales. Juegan con cartas marcadas su partida perdida de antemano. Acorralados por la violencia les quedan sólo unos pocos sueños por gastar. Personajes que más allá de las tapias de la cárcel o los límites de la periferia, saben que la condena es su propia existencia. Un destino que no se puede esquivar, aunque sus corazones brujuleen tras el amor. Hasta de lo más sórdido surge la esperanza. Flores del basurero que crecen en la noche. La Zaranda explora con esta obra el territorio más hostil de lo cotidiano, desde la tradición picaresca, con su desolador humor, cruzando la lectura social en busca de un sentido de elevación, abre la puerta a lo poético dentro de lo sórdido, una ranura de luz en lo oscuro. Llegando hasta otros límites donde se conjuga realidad y ficción, narración y teatro.

La obra con la que la compañía cumple 47 años por los escenarios a lo largo del mundo. Entendiendo siempre el teatro como misterio, riesgo y ofrenda a las voces silenciadas.

Intérpretes: Ingrid Magrinya, Gaspar Campuzano, Francisco Sánchez, Enrique Bustos Texto: Eusebio Calonge Dirección y espacio escénico: Paco de La Zaranda Iluminación: Peggy Bruzual Vestuario: Encarnación Sancho Ayudante de dirección: Andrea Delicado Fotografía y cartel: Víctor Iglesias

Ambulant es un homenaje a los últimos circos clásicos de los años 20, a principios del siglo XX.

Dirigida por el reconocido director de circo Adrian Schvarzstein, combina la música en directo con una espectacular puesta en escena.

Pone el foco en la cotidianidad de una compañía de circo ambulante de principios del siglo XX, en una propuesta poética que versa alrededor de la idea del viaje a ninguna parte con la ingenuidad de una escena que muestra lo que hay detrás el telón.

Circo de sala de gran formato, con música en directo y 10 artistas en escena, y con múltiples técnicas circenses al más alto nivel de ejecución: rueda cyr, mano a mano, suspensión capilar, báscula coreana, banquinas acrobáticas, barra fija, diábolo, malabares, y, por supuesto, clown.

En Oslo (Noruega), Nora guarda un terrible secreto del que no ha hecho partícipe a su marido Osvaldo Helmer: la forma de conseguir una importante suma de dinero, hace años, para poder salvarle de una grave enfermedad. En el presente, Oscar, un empleado del banco de Helmer, conocedor de la estafa, somete a Nora a chantaje. La revelación del secreto propicia el estallido de Nora, que cierra la obra con el abandono de su familia y dando el célebre portazo.

El encuentro que nunca fue… pero que debió haber sido.

Dos reinas, dos reinos... La lucha por un trono. Un encuentro imaginario que nunca existió. Una sentencia de muerte postergada. La feminidad y la masculinidad del poder a través de dos mujeres antológicas: Isabel I de Inglaterra y María Estuardo, Reina de Escocia.

Dos mujeres luchadoras y transgresoras. Dos mujeres que dependían una de la otra... Una pieza intensa que promete no dar tregua al público desde un texto exquisito de Pepe Cibrián que, magistralmente, cobra vida en este duelo actoral entre Nacho Guerreros y Nicolás Pérez Costa. Pasión, intrigas, ternura, emoción, verdades, intensidad... teatro en su estado más puro.

Autor: Pepe Cibrián Dirección: Nicolás Pérez Costa Actores: Nacho Guerreros, Nicolás Pérez Costa Espacio escénico: IFAM Diseño de Iluminación: Nicolás Pérez Costa Diseño de vestuario: Rubén Díaz Maquillaje y peluquería: Patricia Yepes Ayudante de dirección: Bryan Huallamares Producción ejecutiva y dirección de producción: Producciones Rokamboleskas, El Tío Caracoles Prentsa Prensa: María Díaz Fotografía: José Ángel Fernández Córdoba Distribución: Montse Lozano Producción: IFAM, Producciones Rokamboleskas, El Tío Caracoles

Teletransportaciones, desapariciones, mentalismo, ilusiones con objetos del público; son algunas cosas que podrá ver el público en el espectáculo de magia, donde se borrará la fina línea que separa la realidad de la imaginación y que hará replantear la idea de que todo es posible. En Nada es lo que parece también se podrá ver magia interactiva, creada para que cualquier espectador asistente participe en el espectáculo ya sea a distancia, desde sus asientos o en primera persona.

Pau Casals Frantziako hegoaldean erbesteratzera derrigortu zuten Espainiako Gerra Zibilaren ondoren. Ahalegin betean eta bere baliabide guztiez, hurbil zituen lan-esparruetan pilatutako milaka herrikideri laguntzeari ekin zion. 1943an, nazien okupaziopean, musikaren jenioak Führerraren aurrean jotzeko gonbidapen kezkagarria jaso zuen. Casalsek bazekien uko egiteak ondorio latzak ekarriko zizkiola. Gertakari dramatiko haiek inspiratu dituzte lan honen egileak Música para Hitler idazteko, XX. mendeko artista handienetako baten nortasuna birsortzen duen testu zirraragarria.

Cuando el amor se encarna en las ramas del destino, no hay quien lo detenga…

Él se llama Romeo, y es un Montesco; ella, Julieta, una Capuleto. Hijos de dos grandes familias rivales en Verona. Un amor imposible a los ojos de la ciudad. Un amor inevitable y sincero que los convertirá en los amantes más célebres de la literatura universal.

Romeo y Julieta, el musical, basada en la obra original de William Shakespeare, nos presenta la odisea del amor incondicional y prohibido, la fuerza de la amistad, las redes del odio, la sinrazón de la venganza y la tragedia de una historia legendaria y mítica.

Una gran y elegante escenografía, una delicada iluminación, una partitura emocionante, trajes con terciopelos, pieles, cueros, bordados, encajes, hilos de oro y sedas, coreografías efectistas y excelentes luchas de esgrima que aportan un ritmo trepidante a esta gran historia.

Dentro de una tormenta de niebla, Poncia, la criada de Bernarda Alba, reza por la muerte de Adela. La casa se ha sumido en un mar de silencio. Poncia habla sola y también con ellas, con Bernarda Alba y sus hijas.

En Divinas Palabras Atalaya visita de nuevo la gran obra de teatro que muchos críticos literarios consideran la más excelsa obra dramática escrita en castellano a lo largo del siglo XX.

El tema central no es otro que la avaricia, la lujuria y la muerte, que Valle describiera como nadie y que muestra con tremenda crueldad –pero también en clave grotesca– la miseria humana encarnada en la familia de un sacristán de aldea que bien puede extrapolarse a nuestra realidad más cercana. Valle-Inclán utiliza un lenguaje poético y simbólico, sus personajes son representativos de la decadencia moral y social.

Atalaya imprime un tono muy contemporáneo, apostando por un diseño escenográfico y de luces muy potente. La energía, las imágenes, los cánticos y la coralidad están muy presentes.

La magia va a abundar.